11 zeitgenössische Künstler, die in der abstrakten Fotografie arbeiten

Die Beziehung zwischen Fotografie und Abstraktion reicht bis in die Anfänge der Form zurück. Bemerkenswerte Beispiele hierfür sind frühe Cyanotypien, Man Rays „Rayographs“, Fotogramme von László Moholy-Nagy, Makrofotografie von Aaron Siskind und unzählige andere. Und auch heute noch setzt sich der Trend zur abstrakten Fotografie auf der ganzen Welt fort; Bildmacher produzieren Werke, die ein breites Spektrum an Prozessen und der Verwendung von Farben umfassen und oft die Ästhetik einbeziehen, die wir von der Malerei erwarten.

In einer Welt, in der Bilder im Handumdrehen aufgenommen und überall geteilt werden können, ist es verständlich, dass sich diese Künstler komplexere Aspekte der Fotografie zu eigen machen – solche, die nicht in einem Telefon leben können. Stattdessen handelt es sich um Bilder, die eine Vielzahl von Prozessen, physischen oder konzeptionellen Ebenen und Komplexität erfordern. Hier werfen wir einen Blick auf einige aufregende zeitgenössische Fotografen, die das Medium für ihre abstrakte Arbeit nutzen und dabei alles von der Natur bis zur Architektur und mehr umfassen.

Auf den ersten Blick erinnert das Werk der amerikanischen Künstlerin Liz Nielsen mit seinen kräftigen juwelenfarbenen Farbtönen in von der Natur inspirierten und abstrakten Formen an eine Mischung aus Seeglas und Edelsteinen. Nielsen selbst bezeichnet sie als Lichtgemälde und bezeichnet sich selbst als „eine Fotografin, deren Medium Licht ist“. Ihre Bilder entstehen eigentlich nicht mit einer Kamera, sondern „in der analogen Farbdunkelkammer, indem sie lichtempfindliches Papier belichtet und es durch traditionelle Farbchemie verarbeitet“, schrieb sie.

Sie tritt in die Fußstapfen von Man Ray, Moholy-Nagy und anderen und verleiht dem Fotogramm eine neue Wendung, indem sie mit kräftigen Farben experimentiert. Für ein Negativ erstellt sie eine Collage aus Gelen, die dann auf ein negatives chromogenes Papier projiziert wird – daher kommt ihre aufregende Palette, wenn die Farben in ihrem Entwicklungsprozess invertiert werden. Sie ist neugierig und inspiriert von Physik, Farbtheorie, Philosophie und der Bewegung des Lichts in und aus der Dunkelkammer, deren visuelle Interpretationen alle in ihrer Arbeit präsent sind.

Der amerikanische Künstler Bryan Graf durchstreift seine Umgebung in Maine und New Jersey und schafft fotografische Manipulationen von Natur und Raum, um sowohl Eleganz als auch Zerstörung zu kommentieren. In seinen Bildern finden sich Blätter und Lichtprojektionen, Leinwände und Fotogramme, die alle Fragen nach dem Ort und seiner Bedeutung aufwerfen.

Manchmal schafft er Bilder, indem er Filme gezielt belichtet; manchmal durch digitale Manipulation; manchmal beides gleichzeitig. Es ist sowohl eine Untersuchung klassischer alternativer fotografischer Verfahren als auch eine Auseinandersetzung mit dem Neuen. Graf sagte einmal: „Die positive Spannung zwischen der Erfahrung eines Ortes, der emotionalen Wirkung, die er auf uns hat, und den assoziativen Interpretationen, die die Darstellung der Landschaft beeinflussen, treibt meine Arbeit an.“ Da Meditationen über die Umwelt sowohl im wörtlichen als auch im übertragenen Sinne als Metapher für Wachstum fungieren, sieht er seine Praxis, wie er sagte, als „eine optische Untersuchung der pluralen Natur der Realität“.

Im Laufe seiner Karriere hat der in Finnland geborene Künstler Niko Luoma mit den vielen alternativen Verfahren der Fotografie experimentiert, sei es Mehrfachbelichtung, Lichtmanipulation, Collage oder andere. Dabei ist es ihm ein Anliegen, sich mit der Geschichte der Fotografie auseinanderzusetzen und sie gleichzeitig zu würdigen.

In seiner Fotoserie „Adaptations“ beispielsweise interpretiert er klassische Werke der Kunstgeschichte in seinem eigenen experimentellen Stil neu. In seinem Werk wird beispielsweise Marcel Duchamps Akt, eine Treppe herabsteigend (1912), zu einem farbenfrohen geometrischen Fest; David Hockneys Peter Getting Out of Nick's Pool (1966) verwandelt sich in eine abstrahierte Collage aus Formen und Farben, die sich auf das Original bezieht.

Luomas neueste Serie „Illusion of Now“ zeigt mehrere Belichtungen farbigen Lichts, die auf einem einzigen Negativ eingefangen wurden, alle miteinander verflochten, aber absichtlich ohne klaren Anfang oder Ende. „Es gibt keine einheitliche Sichtweise auf diese Bilder, da sie überall beginnen und kein Ende haben können“, schrieb er. „Es handelt sich um systembasierte Experimente, bei denen das Negative zur Aufzeichnung seiner eigenen Verwirklichung wird.“

„Es beginnt mit einem Foto oder einem Fragment eines Fotos – vielleicht Autoscheinwerfern oder Sonnenlicht, das durch ein Fenster fällt“, hat die britische Künstlerin Christine Wilkinson über ihre Arbeit geschrieben. Anschließend manipuliert sie das Bild digital, um es unscharf zu machen, indem sie „das Bild einfach auf zufällige Pixel reduziert, die als Rohmaterial verwendet werden“. Sie interessiert sich in erster Linie für Prozesse – wie diese ständige Reduktion eine neue Form schafft.

Jedes Bild weist eine Vielzahl von Manipulationen und Medien auf, sei es ein Scanner, eine Digitalkamera, Fotosoftware oder sogar ein Bleistift. Und selbst nach mehreren Bearbeitungsrunden sind die Werke souverän und kühn in ihrer Abstraktion und ihrem Minimalismus: Große Farb- und Farbflächen werden zu bezaubernden, mysteriösen Hohlräumen. Ihre Arbeiten, die an der Schnittstelle von Malerei und Fotografie angesiedelt sind, beinhalten abstrakte Experimente mit Form, Licht und Farbe. „Licht wird zur Form“, schrieb sie. „Form ohne Substanz, die nur als Instanz von Farbe und Licht existiert.“

Pedro Correa, Girl Standing by the Sea, aus der Serie „Urban Impressions“, 2015–20. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

Pedro Correa, When The Last Tree, aus der Serie „Urban Impressions“, 2015–20. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

Nach seiner eigenen Beschreibung hat Pedro Correa als Kind eines Malers in seine Fotografie eine Wertschätzung und Inspiration für den Impressionismus einfließen lassen. Tatsächlich tauchen in seinen Bildern häufig malerische Ästhetiken auf, die bewusst nicht digital manipuliert werden. Stattdessen kommen sie rein hinter der Linse – entscheidender Moment und alternativer Fokus zugleich.

Correa interessiert sich besonders für das Leben in der Stadt und versucht in seinem gesamten Werk, wie er einmal schrieb, „die subtile menschliche Präsenz, die aus städtischen Landschaften ausstrahlt“ – Claude Monet und Lee Friedlander zugleich. Die Kratzer, Bildschirme oder der Regen auf einem Fenster werden Teil seiner Linse, auf ihre eigene Weise Pinselstriche auf einer Leinwand.

Als Fotograf einen Moment festzuhalten, ist für Correa genauso wichtig wie die Emotionen, die er ausstrahlt, eine Qualität, die er als mit den Impressionisten verwandt ansieht. Während seiner Promotion in Bildverarbeitung lernte Correa, wie er schrieb, „dass man durch das Entfernen rationaler Informationen aus einem Bild tatsächlich die Gehirnaktivität dämpfen und die Emotionen des Betrachters verstärken (und so ein persönlicheres Erlebnis mit dem Kunstwerk schaffen kann)“. Dies inspiriert seine Arbeit bis heute.

Die mexikanische Künstlerin Fabiola Menchelli hat ihre künstlerische Praxis der Arbeit mit der fotografischen Abstraktion gewidmet und testet das Medium, um herauszufinden, welche Möglichkeiten und Grenzen es hat. Die Arbeit, so schrieb sie, „versucht, die Sichtweisen der Fotografie, ihrer Geschichten und Prozesse sowie ihrer Anziehungskraft auf die Realität zu erweitern.“

In einer kürzlich erschienenen Serie mit dem Titel „Dark Moves“ erweiterte Menchelli ihre Fotogrammarbeit zu skulpturalen Stücken, indem sie Bilder auf Edelstahl druckte, die sie dann in der Dunkelkammer bog, „das Fotopapier faltete und es verschiedenen Farbfiltern aussetzte, wobei die Drucke manchmal solarisiert wurden.“ im Entwicklungsbad, was das Bild an seine Grenzen brachte“, sagte sie später. Die Serie ist völlig improvisiert und soll von den Vorstellungen abweichen, was ein Bild sein sollte, sogar ein abstraktes Bild ihrer eigenen Schöpfung. Sie behält ihre charakteristische Hingabe an experimentelle Farben und Formen bei und hinterfragt stets das Verständnis sowohl unserer eigenen Ideale der Fotografie als auch der Prämisse, was ein Bild physikalisch, chemisch und strukturell werden kann.

Im Laufe ihrer Karriere hat sich die in Russland geborene Künstlerin Galina Kurlat für ihre Arbeiten historischen fotografischen Verfahren zugewandt. Ihre Praxis bewegt sich manchmal in der konkreteren Welt der Porträtmalerei, umfasst aber auch das Abstrakte. Kurlats Arbeit bezieht sich immer auf Vorstellungen von „Identität, Intimität und Unsicherheit“, erklärte sie, sei es dabei, solche Themen direkt zu dokumentieren oder kraftvolle, bedrohliche Spuren davon zu schaffen. Dazu gehörte alles von notleidenden Polaroids bis hin zu nassen Kolloiddrucken.

In ihrer neuesten Arbeit, einer Serie mit dem Titel „Vestiges“, erstellt Kurlat abstrakte Lumen-Fotogramme unter Verwendung ihres eigenen Speichels, ihrer Muttermilch, ihres Atems oder ihres Blutes sowie traditioneller Fotochemikalien. In der Arbeit schreibt sie: „Die weibliche Form, die einem Ansturm von gesellschaftlichem Druck und Objektivierung ausgesetzt ist, widersetzt sich der konventionellen Darstellung und erscheint als Markierung und Oberflächenstörung auf Fotopapier.“

In den Farbtönen Pflaume, Rosa, Orange, Pfirsich, Gelb und Weiß setzt die Serie ihr Engagement fort, sich mit ihrer Arbeit zu verbinden, die Grenzen dessen zu erweitern, was Fotografie sein kann, und sich an ihren Schwächen und Schwächen zu erfreuen.

Das Werk des australischen Künstlers Paul Snell ist voller lebendiger Farben und zieht den Betrachter mit auffälligen Tönen in seinen Bann. Aber seine Arbeit ist viel mehr als nur leuchtende Farben. Hergestellt aus Bildern, die dann digital bis hin zu Farbe und Form manipuliert werden, werden sie, wie Snell sagte, zu ihrer eigenen neuen Realität, die ihr Originalbild nutzt, um ein völlig anderes Erlebnis zu schaffen.

Für Snell kann diese Erfahrung in elektrischen konzentrischen Kreisen, sonnenuntergangsähnlichen Strömungen oder der Länge eines gesättigten Tableaus bestehen. Es geht um Verbindung und Trennung, Aufbau und Dekonstruktion zugleich. „Die Arbeit untersucht die Transformation fotografischer Produktionsweisen sowie die Manipulation und Nutzung von Daten, um neue visuelle Formen zu erfinden“, schrieb Snell. „Durch rhythmisches Wiederholen, Paaren, Überlappen, Umkehren und Anordnen durch die Untersuchung spezifischer Farbbeziehungen versuche ich ein sensorisches Verständnis des physischen Objekts.“

Die amerikanische Künstlerin Teresa K. Morrison hat eine Reihe linsenloser Fotografien als Albuminabzüge oder im Fotogrammstil namens Chemigramme erstellt. Morrison verwendet gefundene natürliche Objekte wie Unkraut, Kräuter, Blätter und Honig, taucht die Objekte in Entwickler oder Fixierer und legt sie dann in der Dunkelkammer auf lichtempfindliches Papier. Interessanterweise ist die Zeitung zwischen 30 und 100 Jahre alt, und Morrison sagt, sie sei neugierig und begeistert von der Verirrung und Überraschung des Ganzen: „Ich betrachte es als eine Zusammenarbeit mit der Zeitung“, sagte sie.

Die Motive – wie Sauerampfer, Weidelgras, Bittersalat und Löwenzahn – sind oft in ihrem Garten zu finden. Auf dem Papier nehmen sie eine Reihe dunkler und heller Töne an, die alle vom Alter, der Zusammensetzung und der Reaktion des Papiers auf Prozesse beeinflusst werden. „Mögen wir alle den Fabrikeinstellungen und der abwertenden Vernachlässigung trotzen, um einen ungeahnten Sinn und Ausdruck zu finden“, schrieb sie anlässlich des neuen Jahres auf Instagram – eine fotografische Philosophie mit weitreichenden Auswirkungen, um es gelinde auszudrücken.

In Francisco Tavonis Werk gibt es einen Tanz zwischen dem Realen und dem Imaginären, zwischen Licht und Struktur, zwischen Farbe und Wärme. Der in Venezuela geborene Künstler lebt derzeit in Australien und wie er selbst beschreibt, „nutzt er Fotografie als eine Möglichkeit, gemeinsam die Kraft der Zuneigung zu verstehen.“ Das ist Zuneigung zum eigenen Zuhause, zwischen Individuen, innerhalb des eigenen Selbst.

Letztendlich ist er auf der Suche nach Authentizität und auf dieser explorativen Suche kreiert er Bilder, die sowohl Körper als auch Stoffe verwenden und deren Identität verbergen, um mit chromogenen Bildern, die auf Baumwolle gedruckt werden, ein stärkeres Bild einer vereinten Menschheit zu schaffen. Jedes Bild verwendet alternative Prozesse, „farbige Linsenfilter, durchsichtige Seide mit gemusterten Schichten und farbige Stroboskoplichter“, sagte Tavoni einmal.

Seine Beziehung zu seiner Arbeit spiegelt zum Teil ein früheres Leben in der Modebranche wider, in dem Tavoni begann, die kraftvolle Beziehung zwischen Farbe und Stoff und später Licht zu verstehen, sowie ein Leben, in dem er in Clubs tanzte.

Der niederländische Fotokünstler Luuk de Haan hat ein einzigartiges Werk geschaffen – im wahrsten Sinne des Wortes, da es von jedem seiner Drucke nur einen gibt –, der an der Schnittstelle von Geometrie und Fantasie lebt. Wie der Schriftsteller Derek Horton schrieb, sind de Haans Bilder „Dokumente ihrer eigenen Entstehung und nicht die Aufzeichnung einer Welt außerhalb der Fotografie.“

Jedes von de Haans Bildern greift die alternativen Prozesse der analogen Fotografie neben der digitalen Manipulation auf, die zugleich ein Einsatz von Hardware und Software sind: Er fotografiert eine digitale Struktur, die er mit analogen Kameras auf dem Bildschirm erzeugt. De Haan ist sowohl Komponist als auch Künstler und wird von Leuten wie Ellsworth Kelly beeinflusst, ja, aber auch von Steve Reich, der stets sowohl den Geist als auch die Präsenz des Minimalismus pflegt. Das resultierende Werk ist sowohl lebendig als auch elegant, geheimnisvoll und kompliziert, „irgendwo zwischen Gegenwart und Verschwinden“, wie der Schriftsteller Vince Aletti einst in The New Yorker schrieb.